150万枚を越えるセールスを記録した2ndアルバム『LOVE』から約5か月のインターバルを経て届けられたニュー・シングル。『LOVE』とリンクした全国ホールツアーのアンコールで初披露された「SEVEN」は、ジャズ／ソウルをベースとした楽曲のなかにスワンプ・テイストのギター、初期アシッド・ジャズを彷彿（ほうふつ）とさせるピアノを織り込んだ、クール＆スムースなダンス・チューン。「時を止めて！ せめて今この限られた時間は／私だけのために使ってほしい」という情熱的なフレーズを軽やかに歌いこなす彼女のヴォーカルが気持ちいい。カップリングの「Venus in The Dark」は、『LOVE』のオープニング・ナンバーだ。（森 朋之）
ジョシュ・デイヴィスがデビュー作『Endtroducing』をリリースして以来、数え切れないほどの模倣者がそのスタイルにあやかろうとして、ダンス・シーンやヒップホップ界に大混乱をまき起こした。けれどもDJシャドウことデイヴィスは、ブラッカリシャス、U.N.K.L.E.、カット・ケミストなどとのさまざまなコラボレーションや、「High Noon」「Pre-Emptive Strike」といった極上の12インチ・シングルで我が道を進んだ。そして今、デビュー作からまる6年を経て、前作とまったく異なるアプローチにもかかわらず、あらゆる点で前作に負けず劣らず鮮烈なこの2作目を引っ下げて戻ってきた。このプロデューサーは、またしてもサンプリングを限界まで押し進めている。が、今作では近頃のダンス・ミュージックではめったにお目にかかれない、これまで以上に奥深くて貪欲で、荒々しいスピリットを持ちこんでいる。アルバム全体を通じて、80年代のすばらしいヴァイブレーション（特に「Monosylabik」「You Can't Go Home Again」といったトラック）とBボーイ・カルチャーへの予想どおりの進出（轟音を轟かせる重厚な「Treach Battle Break」とファンキーな「Mashin' on the Motorway」を聴けばわかる）を見せつけてくれる。本作はまちがいなくシャドウのサウンドを聴かせるが、『Endtroducing』の続編とは言えない。けれども想像力豊かな聴き応えのある2作目であり、ユーモアと深い知識と音楽的な理解にあふれている。（Paul Sullivan, Amazon.com）
本作は、待ちに待ったエルヴィス・コステロとバート・バカラックのフルアルバムでのコラボレーションだ。そして期待どおり、バカラックが60年代に生んだ名曲の折り紙つきのアルバムになっている。ディオンヌ・ワーウィックを始めとするアーティストとのコラボレーションによる当時のバカラックの名曲には、圧倒的なメロディー、伝統的でポップな楽器編成、絶妙でいてときには悲痛な歌詞があった。本作では、3分間にも満たない短さの珠玉の曲から、長めの芸術的な歌までの全12曲で、コステロとバカラックはその才能を思う存分楽しんでいる。この即席の名曲コレクションは、コステロの90年代の作品のなかでも群を抜く出来だ。（Rickey Wright, Amazon.com）
黒服の男と呼ばれるジョニー・キャッシュが「Bridge Over Troubled Water」（邦題「明日に架ける橋」）、「Danny Boy」（邦題「ダニー・ボーイ」）、「The First Time Ever I Saw Your Face」（邦題「愛は面影の中に」）をカバーするなんて、いくら幅広く何でも手がける人物といえども、おかしいのではないかと最初は思った。だが、ナイン・インチ・ネイルズの「Hurt」（邦題「ハート」）、スティングの「I Hung My Head」（邦題「アイ・ハング・マイ・ヘッド」）、デペッシュ・モードの「Personal Jesus」（邦題「パーソナル・ジーザス」）等と共にキャッシュのオリジナルも生かされ、『American IV: The Man Comes Around』は、当時70歳のシンガーソングライターのキャリアを反映した最も自伝的なアルバムのひとつになっているかもしれない。ほとんどの曲が、病に苦しむポピュラーミュージックの巨匠に人生を回顧させ、そして間近に何が来ているのかを考させるべく選ばれているように感じられる。最初の曲はキャッシュのオリジナル「The Man Comes Around」で、アルマゲドンの恐ろしいイメージに満ちている。そして、リック・ルービンのプロデュースによるアルバムは、静かな力と哀愁を深め、パフォーマンスも内容も簡潔なアレンジと断固とした正直さを中心に作り上げられている。死、破壊、痛切な別れ、永遠の愛への遺言、あがないへの希望的敬意など、暗く取りつかれたような瞑想を、キャッシュは15曲を通して進めていく。疲れ果てた美を感じさせる、度々かすれて荒れるバリトン・バスで、それぞれの言葉を深く意味して歌っているようだ。ビートルズの「In My Life」（邦題「イン・マイ・ライフ」）を聴く頃には、ほとんど泣きたくなってしまうだろう。さあ、泣きたまえ。キャッシュにしても泣きそうに聞こえるではないか。これこそ忘れがたい作品に違いない。なお2003年特別版は、「Hurt」のビデオクリップを収録したボーナスDVDつき。（Alanna Nash, Amazon.com）
エンヤ・ニ・ブレナンは音楽一家に生まれ、ピアニストとしてクラシック音楽の訓練を受けた。歳の離れた姉たちの結成したアイリッシュ音楽のバンド、クラナドに1979年に加入したが、その3年後に彼女自身の音楽を追求するため友好的に脱退した。本作は80年代中ごろに英国BBC局で放映されたテレビシリーズのサウンドトラックとして制作され、87年にデビュー作としてリリースされたが、当時はまったく注目を浴びなかった。けれども、情緒豊かな音風景と、英語やゲール語で歌う何層にも織り重ねた豊潤な歌声とを溶け合わせたその音楽は、翌年リリースされた『Watermark』を皮切りとする一連の世界的ヒット作の原型と言える。（Sam Sutherland, Amazon.com）
2003年5月にハリー・コニックJr.はハリウッドのキャピトル・スタジオで2枚のアルバムを同時進行の形で録音した。1枚は03年のクリスマス・シーズンに発売された『Harry for the Holidays 』で、もう1枚が本作。といってもコンセプトが別なので、雰囲気はまったく違っている。これはロマンティックなラヴ・バラード集だ。ソニー・ミュージックの社長ドン・アイナーから、「私の世代の曲を集めたアルバムを作ってみないか」といわれたのがきっかけとなって、本作は生まれたのだとか。その結果、選曲はオールド・スタンダード中心。50年代にリヴァイバル・ヒットした曲も含まれている。たとえばプラターズ56年のヒット曲「マイ・プレイヤー」。実はこの曲はインク・スポッツが39年にヒットさせた曲であり、ハリーはそのことを知っているから今回取り上げたのだという。そういうスタンスで20～30年代の曲に光をあてている姿勢が素晴らしい。そして「マイ・ブルー・ヘヴン」にブラジリアン・テイストを加味したりと、アレンジ（全曲自身が手がけている）も冴えている。（市川正二）
インディーズ盤としてリリースされた当初、本作はアメリカ北西部のグランジロックに典型的な、荒々しく怒りに満ち、ときには美しくも愚かしくもあるサウンドに近いものと思われていた。確かにボーカルのカート・コバーンは「Mr. Moustache」やショッキング・ブルーのカヴァー曲「Love Buzz」といったナンバーを力まかせに大音量でかき鳴らしていた。このシアトル出身の欲求不満を抱えたバンドの奏でる大音量を耳にすれば、1989年リリースの本作の鋭敏な肌ざわりが見逃されてしまうのも無理からぬことだ。
ファンの間でも「これがベスト！」との意見が多いセカンドアルバムである。 
80年代後期バンドブームの中で、パンクの持つクレイジーなサウンド・スタイルをお茶の間レベルまで浸透させたザ・ブルーハーツ。本作は、後期の代表作1990年の
おなじみの人気盤だが、今回は単なる再発ではなく、2枚組全22曲入りのデラックス版だ。1枚目にはこれまで同様の8曲が収録されていて、14曲入りの2枚目は未発表演奏が中心。
「2012年の地球エキスポ」をテーマにしたセカンド。ソウル、R&B、ヒップホップ、ダブ、ドラムンベースなどを融合したリズムトラック、清潔なイメージを生みだすメロディ&ヴォーカル、攻撃的なラップ…。メンバー3人の才能と情熱が高いレベルで凝縮されたサウンドは、トリッピーにして「Love&Peace」。 
スイス生まれでイタリア育ちのピアニスト、ロバート・マイルズは麻痺してくるほど繰り返しが多いが、生き生きとしたモロダー的なディスコを66分に渡って揺るぎなく聞かせてくれる。ヴァンゲリスはホーム・ステレオで聞き比べるとモーツァルトのように聞こえ、これは間違いなくイビサ、パリ、スカーバラのミラーボールの下で繰り広げられる純然たるマジックだ。（Jeff Bateman, Amazon.com）
アルバム未収録のシングルカップリング曲を、リミックス・ヴァージョンを除き、ほぼ全曲収めたL'Arc-en-Cielのベストアルバム。初武道館ライヴのアンコールをはじめ、1995年から1997年までのライヴには欠かせなかったせつなくも壮大なアップナンバー<1>（2ndシングル「Vivid Colors」収録）、愛する人にすべてを捧げても満たされないやるせなさを叫ぶ<2>（3rdシングル「夏の憂鬱 [time to say good-bye] 」収録）、きらめくメロディと伸びやかなヴォーカルが華やかな<5>（6thシングル「Lies and Truth」収録）など、シングル曲以上にメロディアスで透明感あふれるナンバーからは、ルックスの華やかさだけではなく、優れたソングライティング能力を持つロックバンドとしての確固たる地位が感じられる。（武村貴世子）
エミルー・ハリスは1979年の本作でみずからのカントリーのルーツにこれまで以上に強くこだわり、ハンク・ウィリアムズ、ロレッタ・リン、ルーヴィン・ブラザーズのおなじみの曲に取り組んでいる。けれども本作の何よりの収穫は、ウィリー・ネルソンのにぎやかな「Sister's Coming Home」（タニヤ・タッカーとのデュエット）、ダラス・フレイジャーの哀切なバラード「Beneath Still Waters」（この曲でハリスは全米チャートのトップに立った）、ジーン・リッチーの感動的なフォーク・ソング「Sorrow in the Wind」といった知られざる珠玉のナンバーだ。「Even Cowgirls Get the Blues」にはドリー・パートンとリンダ・ロンシュタットが加わり、フラット＆スクラッグスの名曲「Rough and Rocky」ではリンカーン・デイヴィスがアコーディオンで盛り上げている。本作は、ハリスのクラシック・カントリー・ロック時代が幕を下ろすことを予感させるアルバムでもある。1980年の傑作『Roses in the Snow』では完全なアコースティックになり、その後プロデューサーであり夫だったブライアン・アハーンと別れ、新たな方向へ目を向けることになる。（Marc Greilsamer, Amazon.co.uk）
一大ブームを巻き起こしたゲームの世界を、『マトリックス』『タイタニック』を手掛けたクリエーター達の手によって映画化した『ファイナルファンタジー』のサウンドトラック。
71年、公民権運動がピークを迎えたアメリカで、フットボールチーム「タイタンズ」を通して生まれた奇跡。人種間の壁を越えた実話をもとに制作された映画のサントラは、マーヴィン・ゲイとタミー・タレル<1>で幕を開ける。 
90年代が終わって数年もすれば、あの10年はピアニスト兼ボーカリスト、ダイアナ・クラールが登場した時代として記憶されるはずだ。やたらに楽しげで華々しいが、歌心に欠けるシンガーは山ほどいる。だが、そんな中から抜け出てきた魅力あるアーティストのひとりがカナダのブリテイッシュ・コロンビア州出身のクラールだ。ナット・キング・コール・トリオ印のスタイルを引っさげ、師匠である西海岸の名ピアニスト故ジミー・ロウルズに祝福され、クラールは歌詞に愛情を込めグルーヴに気を配り、歌をその歌がもともと意図されていた通りにさりげなく歌う。本作で彼女を囲んでいるのはおなじみの仲間たち。同郷のギターのラッセル・マローン、ベースのジョン・クレイトン、ドラムのルイス・ナッシュとジェフ・ハミルトン、ヴァイブラフォンの（以前ビル・エヴァンスと組んでいた）ラリー・バンカー。そして、そんな彼らをジョニー・マンデルの洗練されたストリングスのアレンジが支える。クラールと仲間たちは、アーヴィング・バーリンの古くさい「Let's Face the Music and Dance」とシナトラの代表曲「I've Got You Under My Skin」をボサ・ノヴァに乗せ、はるか南のブラジルに運んでいる。マローンの生き生きとしたギターはクラールの心のこもった「When I Look in Your Eyes」を引き立て、ハミルトンのドラムはマイケル・フランクスのナンバー「Popsicle Toes」を踊らせる。さらに「Devil May Care」「East of the Sun (and West of the Moon)」「The Best Thing for You」、ストライドピアノ風の「I Can't Give You Anything but Love」では余分な音を抑えてグルーブさせている。また「I'll String Along with You」「Pick Yourself Up」「Do It Again」でのマンデルのまとを得たストリングスは主役の座を奪うほどだ。このように、本作のナンバーすべてが、カナダから贈られたこの素晴らしい才媛のクールな炎を照らし輝かせている。（Eugene Holley Jr., Amazon.co.uk）
小西康陽（ピチカート・ファイブ）らによりセレクトされた、バート・バカラック60～70年代の傑作を集めたコンピレーション。転調や変拍子などを多用し、大胆かつ斬新なメロディはとてもキャッチーで、いま聴いても楽しくて新鮮だ。 
日本が世界に誇るアニメーション、俗に「ジャパニメーション」と呼ばれるジャンルにおいて、代表格のクリエイターと言える押井守監督作品『Avalon』のサントラ。映画 は2001年に公開され、ポーランドロケによる実写とCGを融合させた画期的な映像で話題を集めた。
さまざまな「愛」をテーマに、アッパーなポップジャズ「Love Addict」、オリジナル・ラヴの名曲を今どきなラヴァーズロックにアレンジしたカバー「接吻」、これぞ中島節！ と膝を叩く“切な苦しい”バラード「雪の華」ほか、多彩なシングル曲も満載した2ndアルバムだ。 本人出演のCMでも話題の「Venus in The Dark」では、ちょっと懐かしいクールなアシッドジャズに挑戦している。そこで通好みなギターを披露しているのは外道の才人ギタリスト、加納秀人！ もうひとつ意外なコラボとしては、ロック畑のブルー（イエロー？）アイドソウルの達人、NONA REEVES西寺郷太の作曲ナンバー「You send me love」でのポップな魅力の発掘がある。無比の透明感を保ちつつ、レンジを拡大した快作だ。（石角友香）
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『トップ・ガン』は間違いなく80年代を代表する作品のひとつだ。この作品でトム・クルーズはスーパースターの仲間入りを果たし、監督のトニー・スコット（ほかに1994年『トゥルー・ロマンス』、1998年『エネミー・オブ・アメリカ』）の出世作でもある。製作のドン・シンプソン＆ジェリー・ブラッカイマーはこの作品で、点と点を結ぶようなストーリー展開、MTV風の映像、切れ目ないアクションというシネコン向きヒット映画のノウハウを確立した。 
ジャズという音楽は、基本的にジャズクラブなどでライヴ演奏されるのが本来のあり方だ。つまり、スタジオでの録音というのは特殊な状況なのである。そこで、ジャズが日常的に演奏されている空間の雰囲気をそのまま伝えようとする試みの1つが、ライヴレコーディングである。 
81年に36歳の若さでこの世を去り、94年にロックの殿堂「Rock and Roll Hall of Fame」入りを果たした伝説的レゲエシンガー、ボブ・マーリーのベストアルバム。 
イ・ビョンホン、ソン・ヘギョ共演の韓国TVドラマ『オールイン 運命の愛』のサウンドトラック盤。劇中に使用されたインストに加え、ヴォーカル曲6曲を収録している。美しいメロディのテーマ曲<1>「All In Theme」がまず耳をひくが、インスト曲はサントラアルバムとしては地味めな印象。その分ヴォーカル曲がドラマティックに盛り上げて、全体としてバランスのよい1枚になっている。なかでも、アルバム『期別』も大ヒットしたパク・ヨンハが渋い声で“男の感傷”を歌い上げる<3>「初めて出逢った日のように」がやはり白眉。ドラマの主人公イナの心情ともオーバーラップし、切ない余韻が残る。（安川正吾）
ミュージックシーンの異端児、マリリン・マンソンの日本におけるデビューアルバムは、ジャケットから予想される以上にアンユージュアルな内容。ヘヴィなビートの効いた曲だけを聴けば、ハードロックとして受け取れなくもない。ノイズ、喘ぎ声、男女の会話など、実験的、挑戦的、退廃的、シニカルで、それがマリリン・マンソンだ。 
1980年リリースの3作目『フリーダム・オブ・チョイス』と82年の『オー・ノー！イッツ・ディーヴォ』をカップリングした2in1カップリング CD。シンセ・ポップ・バンドとしてのスタイルを確立させ、ヒット曲「ホイップ・イット」や後にロバート・パーマーがカヴァーする「ガール・U・ラヴ」 を収録した『フリーダム～』、クイーンを手がけたことで知られるロイ・トーマス・ベイカーをプロデューサーに起用した『オー・ノー！～』はどちらも甲乙つけがたい秀作で、さらに後者からの「ピーカブー！」リミックスも収録というぜいたくな1枚だ。（山崎智之）
『猟奇的な彼女』のクァク・ジェヨン監督による韓国映画『ラブストーリー』（2004年日本公開）のサウンドトラック盤。母と娘、2世代にわたる切ない恋心を、美しい楽曲が彩る。センチメンタルなシーンでの音楽の使い方に定評のあるクァク監督作品らしい、充実のサントラだ。 まるで作品中に登場する人々そのもののような、実直で素朴でロマンティックな音楽が心を打つ。ヴォーカル曲はいずれも印象的だが、中でも出色なのは、「自転車に乗った風景」（バンド名である）による< 7 >「あなたにとって私は、僕にとって君は」だろう。たとえ韓国語の歌詞の意味が分からなくても、そのピュアな雰囲気はじゅうぶん楽しめる。（剛吉若寸也）
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一夜にしてスターダムに躍り出たように言われているが、人気TVシリーズ、アリー・マイ・ラブで大ブレイクしたヴォンダ・シェパードの場合もご多分にもれず、10年近いツアー生活を続けアルバムを3枚もリリースしたあとの長い下積み生活の果てにようやく手に入れた栄光だった。このアルバムには、シリーズ1年目の劇中で使われたおなじみの"Hooked on a Feeling"から60年代の名曲をうまくアレンジした"Walk Away Renee"まで、シェパードが演奏したカヴァー曲のほとんどが収録されている。もちろん、シェパードのオリジナル曲も素晴らしい。"Searchin’ My Soul"は文句なしにこのアルバムを代表する曲だろう。(David Sprague, Amazon.com)"Songs From Ally McBeal Featuring Vonda Shepard (Television Series)"の価格比較を見る »
チャールス・ミンガスは、単にベーシストという以上の存在だった。コンポーザーであり、バンドリーダーであり、エリントン・ミュージックの継承者であり、黒人差別に激しく抗議する正義の人であった。だからだろう、ミンガス・ミュージックは強烈な個性に彩られ、聴く者に強く衝撃を与える。 
フリージャズの旗手、オーネット・コールマンが、50年代のジャズシーンに衝撃を与えた歴史的作品だ。彼自身の作曲した<1>が収められていることでも有名である。現在のジャズに大きな影響力を及ぼした巨人の出発点を知るという意味で、欠かせないアルバムだ。 
アルゼンチン音響派の中心人物であり即興ギタリストのフェルナンド・カブサッキが、2003年の来日時に勝井祐二、山本精一、芳垣安洋ら国内ミュージシャン6人とセッションしたものがこれ。曲ごとにミュージシャンの組み合わせが変わり、アプローチの方向性も多種多彩で、ギタリスト3人の「The dream of Kit」は深い暗闇のごときダークな世界、カブサッキ＋ドラムス3人の「Milton」は陽気なラテン・ビート、といった具合。ハイライトは7人全員による24分以上の大曲「Strawberry Bridge～」で、前半の静謐な点描的プレイから、後半になると音が次第に束になってトランシーに高揚していき、スリリングな風景を見せる。単なるセッションではなく、深い部分で理解しあった魂の交歓というべき作品だ。（小山 守）
ザ・ドァーズは、1967年にデビューアルバムを出し、その前年のロサンジェルスのステージでの観客との約束を十分に果たした。「バック・ドア・マン」のような定番を激しくアレンジして歌う曲にも、「ザ・クリスタル・シップ」と「アイ・ルックツ・アット・ユー」のような歌い語りにも、ヴォーカリストのジム・モリソンは曲に脅威と官能の要素を入れなかった。特大のフィナーレになった、「ジ・エンド」のミックスは、今までのロックの歌のルールを塗り替える程歴史的だった。これはキーボードのレイ・マンザレック、ギターリストのロビー・クレイガー、ドラマーのジョン・デンスモアがいたからこそできたのだ。彼らは「テイク・イッ・アズ・イツ・カムズ」と、長くヒットした「ライト・マイ・ファイヤー」なども手がけ、ロックとブルース、ジャズ、そしてクラシックを融合させ、事実上のアシッド・ロックを作り上げた。
「ドラえもん」のエンディング・テーマに起用されたこの曲は、60年代のフォーク・ロックを想起させるギターアンサンブルとバンドサウンド、そして、誰でもすぐに覚えられそうな超ポップなサビ・メロがひとつになったナンバー。「自分を見失わないで／自由に生きるんだ！」というめちゃくちゃポジティブな歌詞からも、60～70年代のフラワー・チルドレンの思想をちょっと感じる。それにしてもこの人たちのコーラスは、ホントにきれいだな。（森 朋之）
ユニークなポーズを決めているホレス・シルヴァーのジャケット写真が印象的。しかし同じデザインは『Horace Silver & the Jazz Messengers』にも使われているので混乱なさらぬよう。本盤は10インチ盤などでリリースされた初期のピアノ・トリオ演奏を集めたCD。ドラムスはアート・ブレイキーだ。
全米No.1に輝いた7作目の主演ミュージカル映画のサントラ。劇中で効果的に流れて話題になった「ドンと・クライ・フォー・ミー・アルゼンチーナ」「ユー・マスト・ラヴ・ミー」収録。